WORKS

• Yvette Jackson

  Equal and Opposite** (2026) — 9′

  Pour voix contre-ténor, violon et violoncelle.

  Commande de l'Ensemble Mêtis.

  
  

  Equal and Opposite s’inscrit dans la pratique de l’opéra radiophonique de Jackson, où la composition est récursive : une idée transformée par un processus à l’intérieur d’un processus, lui-même à l’intérieur d’un autre processus. Le résultat est une réflexion sonore qui invite l’auditeur à puiser dans ses expériences personnelles et ses connaissances afin de construire le récit.

• Cyril Molesti

  Nouvelle œuvre* (2026) — 8′

  Pour flûte, saxophone, piano, alto, violoncelle et contrebasse..

  Commande de l'Ensemble Mêtis.

  
  

  Ma composition pour l’ensemble Mêtis reprendra quelques idées esquissées dans ma dernière pièce pour ensemble (« Les Nuées ou la disparition de Fomalhaut B) que j’aimerais approfondir, à savoir la construction de grandes phrases formelles mettant en relation des nuages sonores. Ces derniers sont constitués de hauteurs (issues de spectres plus ou moins denses) réparties dans le registre et le temps de manière à former des « nuées » de sons plus ou moins homogènes. Ces structures pointillistes abstraites prennent vie une fois orchestrées (étape déterminante reliant différents « points ») et forment ainsi des macro-objets fourmillants de gestes dont la complexité peut varier. Le contrôle des paramètres au sein d’un nuage tels que la densité et le filtrage harmoniques, la dilatation/compression temporelle, la déformation (anamorphose), le taux d’hétérogénéité des gestes instrumentaux, leur "énergie"… contribuera à construire un discours cohérent, tout autant que les relations inter-nuages (superposition, tuilage, interpolation, contraste…).

• Giorgos Koumendakis

  Piano Pieces** (2021) — 10′

  Pour piano.

• Giorgos Koumendakis

  Type Writer** (2026) — 7′

  For violin.

  
  

  Dans The Typewriter Tune, pour violon seul, créée au Festival Présences en 2004 par Hae-Sun Kang, Giorgos Koumendakis s’inscrit dans le sillage des créateurs « anonymes » de chants populaires, « réarrangeant ou recomposant des thèmes musicaux traditionnels tout en préservant leur énergie et leur élégance, l’authenticité de leur modèle originel, leur pulsation et leur âme ».

  L’œuvre appartient à un cycle plus vaste intitulé Typewriter Tunes, dont chaque pièce s’adresse à un destinataire particulier. Inspirée de la serra, danse guerrière des Grecs pontiques, elle confie au violon le rôle de la lyre pontique et est « adressée » à Iannis Xenakis.

  — Yannis Tselikas.

• Ji Young

  Five Minutes of Pure Cinema* (2026) — 5′

  Œuvre de ciné-concert pour violon, viola and double bass.

  
  

  Musique composée pour le film Cinq minutes de cinéma pur (1926) d’Henri Chomette, dans le cadre de NIMAcademy et sous le mentorat de Martin Matalon.

  
  

• Alireza Farhang

  COLLAPSE, triptyque (2026)

  I. Within** — 10′

  II. Texture** — 15′

  III. Rise** — 5′

  
  

  Dans COLLAPSE, Alireza Farhang interroge ce qui demeure lorsque le langage ne peut plus contenir l’expérience. L’œuvre prend pour point de départ un poème de Claudia Rankine, tandis que Farhang signe lui-même le texte original du deuxième mouvement. Le contre-ténor, l’ensemble instrumental, l’électronique et les images de Hugo Arcier habitent un même espace théâtral, au sein duquel aucun élément ne se contente d’en accompagner ou d’en illustrer un autre. La voix, les instruments, les images, la mise en scène et la lumière se transforment continuellement les uns les autres, brouillant les frontières entre présence, mémoire et disparition.

  
  

  L’œuvre se déploie sous la forme d’un triptyque de trente-cinq minutes. Dans Within, l’ensemble au complet apparaît dans une configuration de concert relativement familière. Les mots de Rankine font surgir un monde de chute, de contact, de fracture et d’endurance. Dans Texture, le cadre se resserre. Conçu comme un gros plan plutôt que comme une adaptation du poème de Rankine, le texte de Farhang met en scène un dialogue insaisissable entre une Voix et son Ombre. Accompagné par le saxophone baryton, l’alto et l’électronique, le contre-ténor passe progressivement du chant à la parole, tandis que la dimension visuelle occupe une place croissante. Les mots se fragmentent en répétitions, consonnes, souffles et silences. Le corps lui-même semble devenir instable, évoquant les tensions et les déformations qui traversent la peinture de Francis Bacon. Dans Rise, l’ensemble au complet réapparaît, réparti dans l’espace. Le langage s’efface progressivement, ne laissant subsister que des gestes vocaux, des résonances et le fragile élan de se relever.

  
  

  La mise en scène et la création lumière de Bruno Boulzaguet font de l’espace de la représentation une composante active de cette transformation. La lumière ne se contente pas d’éclairer les interprètes : elle révèle, isole et efface, modifiant sans cesse les relations entre le corps physique, son image projetée et l’espace qui l’entoure. Au cours du deuxième mouvement, la scène prend progressivement la forme d’une chambre intérieure, entraînant le public dans une rencontre intime et incertaine avec le chanteur. Dans la dernière partie, la répartition spatiale de l’ensemble et les transformations de la lumière réorganisent une nouvelle fois la scène, prolongeant le mouvement irrésolu de l’œuvre entre chute et relèvement.

  
  

  COLLAPSE ne raconte pas une histoire conventionnelle et ne propose aucun dénouement définitif. L’œuvre retrace une transformation de la perception. À mesure que le texte, le son et l’image perdent leur identité propre, le public cesse d’observer une figure pour partager un état intérieur. Ici, l’effondrement n’est pas seulement synonyme de destruction : il est l’instant où les formes familières se défont et où une autre forme de présence devient perceptible — un souffle, une vibration, un corps qui vacille et pourtant demeure.